Filme 1922 - Stummfilm Magazin

Die erste deutsche parlamentarische Demokratie von 1918 bis 1933 bildete den gesellschaftlichen, politischen, wirtschaftlichen und künstlerischen Rahmen für eine der interessantesten Perioden der internationalen Filmgeschichte.

Stummfilme wie Robert Wienes expressionistischer Horrorfilm "Das Cabinet des Dr. Caligari" (1920), Friedrich Wilhelm Murnaus Vampirgeschichte "Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens" (1922) und Fritz Langs Science-Fiction-Monumentalfilm "Metropolis" (1927) entstanden in dieser Zeit, sind vielzitierte Meilensteine der Filmgeschichte und ziehen auch heute noch ein weltweites Publikum in ihren Bann.

Die Initiative "100 Jahre Stummfilm-Klassiker der Weimarer Republik" stellt jedes Jahr eine Auswahl an Filmen vor, die dann ihr hundertjähriges Veröffentlichungsjubiläum feiern. Die Zusammenstellung orientiert sich an der filmhistorischen Bedeutung der Werke, also an inhaltichen, technischen und gestalterischen Kriterien. Auch wurde die Rezeptionsgeschichte berücksichtigt. Die Zuordnung der Film an das jeweilige Jahr richtet sich, soweit möglich, nach den Uraufführungsterminen.

♦ "Fridericus Rex", Regie: Arzen von Cserépy, Uraufführung von Teil 1 & 2 am 30. Januar 1922, Teil 3 & 4 am 19. März 1923, jeweils im Berliner Ufa-Palast am Zoo
♦ "Das Weib des Pharao", Regie: Ernst Lubitsch, am Uraufführung am 21. Februar 1922 in New York; Deutsche Erstaufführung am 14. März 1922 im Berliner Ufa-Palast am Zoo
♦ "Die Gezeichneten", Regie: Carl Theodor Dreyer, Uraufführung am 23. Februar 1922 in den Berliner Primus-Palast-Lichtspielen
♦ "Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens", Regie: Friedrich Wilhelm Murnau, Uraufführung am 04. März 1922 im Marmorsaal des Zoologischen Gartens Berlin
♦ "Der brennende Acker", Regie: Friedrich Wilhelm Murnau, Uraufführung am 09. März 1922 im Berliner Marmorhaus
♦ "Othello", Regie: Dimitri Buchowetzki, Uraufführung am 18. März 1922
♦ "Dr. Mabuse, der Spieler", Regie: Fritz Lang, Uraufführung am Uraufführung am 27. April 1922 im Berliner Ufa-Palast am Zoo
♦ "Das Wunder. Ein Film in Farben", Regie: Julius Pinschewer, Walter Ruttmann, Uraufführung nach dem 09. August 2022 (Zensurfreigabe)
♦ "Vanina", Regie: Arthur von Gerlach, Uraufführung am 06. Oktober 1922 im Berliner U.T. Kurfürstendamm
♦ "Lucrezia Borgia", Regie: Richard Oswald, Uraufführung am 20. Oktober 1922 in den Berliner Richard-Oswald-Lichtspielen
♦ "Phantom", Regie: Friedrich Wilhelm Murnau, Uraufführung am 13. November 1922 im Berliner Ufa-Palast am Zoo
♦ "Nathan der Weise", Regie: Manfred Noa, Uraufführung am 29. Dezember 1922 im Berliner Alhambra

Filmkanon für das Aufführungsjahr 1922

Fridericus Rex

Die Sehnsucht des Kinopublikums nach siegreichen preußischen Zeiten

'Typecasting' nennt man es auf Englisch, wenn Schauspieler*innen auf bestimmte Rollen so festgelegt werden, dass Rolle und Mensch für das Publikum miteinander verschmelzen. Selten war ein Schauspieler so 'typecast' wie Otto Gebühr in der Rolle Friedrichs des Großen. Zwischen 1920 und 1942 spielte er den alten Fritz in achtzehn Filmen. Das zeigt zum einen, wie sehr der Schauspieler Gebühr dem vor allem durch Historiengemälde von Adolf von Menzel und Arthur Kampf geprägten Bild des Monarchen entsprach, zum anderen aber auch wie populär das Sujet in diesen Jahren war.

Nachdem er 1920 in "Die Tänzerin Barberina" in der Rolle debütiert hatte, drückte Gebühr ihr in den vier Teilen von "Fridericus Rex", die 1922 und 1923 in die Kinos kamen, endgültig seinen Stempel auf. Von diesen Filmen - "Sturm und Drang", "Vater und Sohn", "Sanssouci" und "Schicksalswende" – war nur der letzte für die Rezension zugänglich. "Schicksalswende" konzentriert sich, bei recht freiem Umgang mit historischen Ereignissen, auf die Schlacht bei Leuthen, der hier die entscheidende Wende im siebenjährigen Krieg zugeschrieben wird.

Die Ereignisse und die sich darum rankenden Legenden mussten jedem deutschen Schulkind wohlbekannt sein, und so ist "Schicksalswende" vor allem als Illustration einer preußischen Heldensage zu sehen. Der Film ist in zwei gegensätzliche Hälften geteilt. Die erste Hälfte ist fast schon ein Kammerspiel. Am Vorabend der Schlacht sitzt Friedrich II in einem Bauernhaus und verzweifelt schier ob der aussichtslosen Lage. Während draußen die Stimmung seiner hungrigen Truppen immer rebellischer wird erreichen den König stetig neue Katastrophenmeldungen: seine Generäle haben sich andernorts ergeben oder sind gefallen und zu allem Überfluss ist auch noch seine Schwester gestorben.

Friedrich erlaubt sich einen seltenen Moment der Schwäche, beichtet einem Vertrauten seine Verzweiflung und spricht gar von Todessehnsucht. Dann reißt er sich allerdings wieder zusammen, nimmt das Heft der Schlacht in die Hand und schlägt die Österreicher durch ebenso unkonventionelle wie geniale strategische Entscheidungen. Diese Hälfte des Films ist ein opulentes Schlachtengemälde mit einer großen Zahl von Statisten in historischen Uniformen. Am Ende des Films sehen wir den siegreichen Friedrich, allein in seiner Residenz einem Konzert lauschend.

Dass das Kinopublikum sich in den Jahren 1922 und 1923 gern in siegreiche preußische Zeiten zurückversetzen ließ, darf nicht verwundern. Die schmerzhafte Niederlage im Ersten Weltkrieg lag gerade einmal vier Jahre zurück. Auch die Figur des weisen Monarchen, der sich als 'erster Diener des Staates' ganz einsetzte und sein Land ebenso mutig wie intelligent zu neuer Größe führte, muss tiefsitzende Sehnsüchte der Zeitgenoss*innen befriedigt haben, in einer Zeit der Hyperinflation und des Ruhrkampfes. Die Figur des aufgeklärten absoluten Monarchen bildete ein attraktives Gegenbild zu den von vielen als unsicher empfundenen neuen politischen Verhältnissen. Und davon profitierte nicht zuletzt Otto Gebühr.

Autor: Arndt Pawelczik

Credits
Titel: Fridericus Rex
Regie: Arzen von Cserépy
Drehbuch: Arzen von Cserépy, Hans Behrendt, Bobby E. Lüthge
Kamera: Guido Seeber
Darsteller: Otto Gebühr, Albert Steinrück, Gertrud de Lalsky, Erna Morena, Eduard von Winterstein, Charlotte Schultz, Anton Edthofer, Lothar Müthel, Werner Hollmann, Eva May, Theodor Becker
Produktionsfirma: Cserépy-Film Co. G.m.b.H. Berlin
Produzent: Arzen von Cserépy
Uraufführung: Teil 1 & 2 am 30. Januar 1922, Teil 3 & 4 am 19. März 1923, jeweils im Berliner Ufa-Palast am Zoo.

Weitere Informationen zum Film
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Das Weib des Pharao

Monumentales Altägypten-Spektakel aus Berliner Produktion

Für Ernst Lubitsch waren die phänomenalen internationalen Erfolge seiner Filme "Carmen" (D 1918), "Madame Dubarry" (D 1919) und "Anna Boleyn" (D 1920) das Sprungbrett nach Hollywood. Um Nägel mit Köpfen zu machen legte er mit "Das Weib des Pharao" noch eine weitere Großproduktion gleicher Art nach, reiste zur amerikanischen Pemiere nach New York, trat dort prompt in Verhandlungen mit der damals größten Filgesellschaft der Welt, Paramount Famous-Lasky, ein und führte bald schon Regie in seinem ersten amerikanischen Film.

Nicht nur, dass Lubitsch "Das Weib des Pharao" ganz nach dem Muster seiner früheren internationalen Kassenknüller drehte, er griff dazu auch zum letzten Mal auf die einzigartigen Standortvorteile in Deutschland zurück. In den Jahren vor der Währungsreform 1923 ließen sich in Berlin Monumentalfilme verwirklichen mit einem Budget, für das man andernorts nicht einmal eine Kurzkomödie hätte herunterkurbeln können. In und um Berlin entstanden so für den Film aufwendigste Kulissen, die das Publikum mühelos an die Ufer des Nils zu transportieren vermochten. Um diese gewaltigen Fassadenbauwerken herum tummelten sich Tausende von Statisten.

Aber all das macht noch keinen Lubitsch Film. In den monumentalen altägyptischen Bauten, gekleidet in Pharaonenprunk und behängt mit Juwelen, treffen wir echte Menschen mit all ihren Schwächen und Unzulänglichlichkeiten. Und hier kommt dem Film ein weiterer Standortvorteil zugute. Nahezu alle Rollen sind mit der ersten Garde der Berliner Theaterschauspieler besetzt, die den steifen Kulissen echtes Leben einhauchen. Emil Jannings, Paul Wegener, Harry Liedtke, Lyda Salmonova, Albert Bassermann, Paul Biensfeldt und Dagny Servaes wetteifern vor der Kamera in diesem Spiel um Macht und Liebe.

Zum ägyptischen Pharao Amenes (Jannings) reist der König von Äthiopien (Wegener), um einen Bund zu schließen und mit der Hand seiner Tochter (Salmonova) zu besiegeln. Unterwegs macht ihm der junge Ramphis (Liedtke) die griechische Sklavin Theonis (Servaes) abspenstig. Ramphis ist der Sohn von Sothis (Bassermann), dem Baumeister des königlichen Schatzhauses. Diesem Schatzhaus nähern sich Theonis und Ramphis unerlaubt und werden dafür zum Tode verurteilt. Aber Amenes verliebt sich Hals über Kopf in die schöne Griechin und überwirft sich wegen ihr sogar mit dem König der Äthiopier. Unter der Bedingung, dass Ramphis am Leben bleibt, willigt Theonis in die Ehe mit Amenes ein.

Nun kommt es zum Krieg gegen Äthiopien. Amenes muss ins Feld ziehen und da Theonis ihm nicht Treue schwören will, läßt er sie ins neue Schatzhaus einmauern und den Baumeister zur Sicherheit blenden. Ramphis, der in den Steinbrüchen Zwangsarbeit leistet, organisiert eine Revolte, flieht zurück nach Theben und befreit die Geliebte mithilfe der Baupläne seines Vaters. Amenes‘ Armee wird von den Äthiopiern besiegt und der Pharao selbst für tot in der Wüste zurückgelassen. Unter Ramphis Führung verteidigen die Einwohner Thebens ihre Stadt. Unter dem Jubel des Volkes wählt Theonis Ramphis als ihren Ehemann und neuen Pharao. Doch da kehrt der totgeglaubte Amenes zurück.

Der zehnmonatige Dreh von "Das Weib des Pharao" kostete ca. 18 Millonen Mark. Wie die amerikanische Zeitschrift Variety damals vorrechnete, entsprach das ca. 80.000 Dollar. Obwohl der Film den Erfolg von Lubitschs früheren Produktionen in den USA nicht ganz erreichen konnte, war dieser Betrag schnell eingespielt und dem Wechsel des ersten deutschen Starregisseurs nach Hollywood stand nichts mehr im Wege.

Autor: Arndt Pawelczik

Credits
Titel: Das Weib des Pharao
Regie: Ernst Lubitsch
Drehbuch: Norbert Falk, Hanns Kräly
Kamera: Theodor Sparkuhl, Alfred Hansen
Darsteller: Emil Jannings, Harry Liedtke, Dagny Servaes, Paul Wegener, Lyda Salmonova, Albert Bassermann, Paul Biensfeldt, Friedrich Kühne, Mady Christians, Elsa Wagner
Produktionsfirma: Ernst Lubitsch-Film GmbH Berlin
Produzenten: Ernst Lubitsch, Paul Davidson
Uraufführung: 21. Februar 1922 in New York; Deutsche Erstaufführung am 14. März 1922 im Berliner Ufa-Palast am Zoo

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Blu-ray/DVD-Veröffentlichung von Alpha Omega Digital

Die Gezeichneten

Studium menschlicher Seelenzustände

Carl Theodor Dreyer zählt zu den Regisseuren, ähnlich wie Jean Vigo oder Stanley Kubrick, die durch wenige Filme legendären Status erlangt haben. Bei Dreyer sind das vor allem sein letzter Stummfilm "La passion de Jeanne d'Arc" (F 1928) und sein erster Tonfilm "Vampyr" (D 1932). In den 32 Jahren danach drehte Dreyer nur noch vier weitere Spielfilme, die allesamt ebenso individuell wie eindrucksvoll sind. Dreyers frühe Stummfilme sind zwar deutlich konventioneller, sie zeigen aber bereits große Sorgfalt und Meisterschaft in der Beherrschung des Mediums.

"Die Gezeichneten" entstand in Deutschland mit einem internationalen Ensemble von Schauspielern nach einer dänischen Romanvorlage. Zuvor war Dreyer mit seinen Filmarchitekten nach Lublin in Polen gereist, um sich für die Kulissen des Films inspirieren zu lassen. Und so wirkt die galizische Kleinstadt authentisch, ebenso wie ihre Bewohner. Dreyer, eigentlich ein Regisseur der stillen Töne, musste für "Die Gezeichneten" Massenszenen choreographieren und filmen, was ihm erstaunlich gut gelang.

Der Film erzählt eine Geschichte aus dem Russland des Jahres 1905. Unruhe macht sich in der Bevölkerung breit und eine Revolution steht kurz bevor. Die Geheimpolizei versucht den Hass der Bevölkerung von der Zarenfamilie auf die jüdische Minderheit im Land abzulenken. Wir folgen den Schicksalen von Menschen, die dabei zwischen die Fronten geraten, vor allem als es zu einem Pogrom gegen die jüdischen Einwohner einer Kleinstadt kommt.

Der Film behandelt seine Charaktere mit großer Empathie und Differenziertheit. Wir erleben die Enge in der jüdischen Gemeinde, der die Geschwister Hanne-Liebe (Polina Piekowskaja) und Jakow (Vladimir Gajdarov) zu entfliehen suchen, aber gleichzeitig auch die Nestwärme und Geborgenheit, die diese Gemeinschaft ihren Mitgliedern bietet. Unter den russischen Revolutionären gibt es Idealismus und Heldenmut, aber auch Opportunismus und Verrat. Die Einfachheit der russischen Kleinstädter und Bauern wirkt auf eine naive Art anheimelnd, aber nur so lange bis sie sich zu einem mörderischen Überfall auf ihre jüdischen Nachbarn aufwiegeln lassen.

Wenn es dem Film gelingt, all dies ohne Schwarzweißmalerei zu zeigen, so liegt das auch daran, dass Dreyer ein Meister der Kameraarbeit und des Schnitts ist. Wie in allen seinen Filmen setzt er den Wechsel von Großaufnahmen und Totalen geschickt ein und lässt uns vor allem genug Zeit Gesichter zu studieren. Dabei hilft es natürlich, dass viele der Rollen mit arrivierten Bühnenschauspielern, nicht zuletzt vom Moskauer Künstlertheater Stanislawskis, besetzt sind. Die Parallelmontagen beim Überfall auf das jüdische Wohnviertel zeigen, wieviel Dreyer bei D.W. Griffith gelernt hat. Wie in fast allen seinen Filmen liegt Dreyers Augenmerk auch in "Die Gezeichneten" auf einem genauen Studium menschlicher Seelenzustände, vor allem von Charakteren, die unter großen emotionalen Belastungen stehen oder spirituelle Krisen durchleben. Dreyer ist hierbei ein überaus feinfühliger Beobachter und ein Meister darin, die Ergebnisse seiner psychologischen Analysen auf zuweilen geradezu niederschmetternde Art in Filmbilder umzusetzen.

Autor: Arndt Pawelczik

Credits
Titel: Die Gezeichneten
Regie: Carl Theodor Dreyer
Drehbuch: Carl Theodor Dreyer
Kamera: Friedrich Weinmann
Darsteller: Polina Piechowska, Wladimir Gaidarow, Adele Reuter-Eichberg, Johannes Meyer, Thorleif Reiss, Richard Boleslawski, Duwan-Torzow, Sylvia Torf, Hugo Döblin, Iwan Bulatoff, Elisabeth Pinajeff, Emmy Wyda, Tatjana Tarydina, Friedrich Kühne
Produktionsfirma: Primus-Film GmbH Berlin
Produzent: Otto Schmidt
Uraufführung: 23. Februar 1922 in den Berliner Primus-Palast-Lichtspielen

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DVD-Veröffentlichung und On-Demand-Abruf (Vimeo und Amazon Prime) von absolut MEDIEN GmbH

Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens

Meilenstein des Genre

Was lässt sich über diesen Film sagen, das nicht schon hundertmal gesagt wäre? "Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens" ist, neben "Metropolis" (D 1927) und "Das Cabinet des Dr. Caligari" (D 1920), einer der wenigen deutschen Stummfilme, von dem die meisten Menschen schon einmal gehört haben. Film- und vor allem Horrorfilmfreunde kennen die oft verwendeten Standfotos und Ausschnitte aus dem Film: eine unheimliche, hagere Gestalt tritt durch eine merkwürdig gotisch geformte Zimmertür, die Gestalt steigt eine Treppe hinauf und ihr Schatten gleitet ihr riesenhaft voran, in einem Bett bricht eine junge Frau zusammen als sich der Schatten einer Kralle über ihrem Körper schließt, endlch zerfließt der Vampir dramatisch, als ihn die ersten Morgenstrahlen durch ein Fenster treffen.

Diese Bilder prägen in starkem Maße den Eindruck, den sich die Welt in den letzten hundert Jahren vom deutschen Stummfilm insgesamt gemacht hat. Sie sind über die Maßen wirkmächtig und haben "Nosferatu" sowie vielen, die an der Realisierung des Films mitgewirkt haben, geradezu legendären Status verliehen. So wird gern über den okkultistischen Hintergrund von Albin Grau spekuliert, der "Nosferatu" produzierte und Bauten sowie Kostüme entwarf. Hartnäckig hält sich auch das Gerücht, Max Schreck sei nicht nur der Hauptdarsteller, sondern tatsächlich selbst ein Vampir gewesen. Und ebenso bezeichnender- wie makabrerweise wurde 2015 der Schädel des Regisseurs F.W. Murnau aus seiner Bertliner Grabkammer entwendet.

Dabei muss man nicht wild spekulieren, um spannende Geschichten über den Film erzählen zu können. Die Produktionsfirma Prana Film ließ hier nämlich den Roman "Dracula" von Bram Stoker verfilmen – einen Stoff, an dem sie keineswegs die Rechte hatte. Zwar wurden Namen und Handlung verändert und der Schauplatz von England in die fiktive norddeutsche Stadt Wisborg verlegt, das konnte aber niemanden täuschen, vor allem nicht die streitbare Witwe des Autors. Florence Stoker ging sofort gerichtlich gegen die offensichtliche Urheberrechtsverletzung vor und erhielt 1925 vor einem Berliner Bericht Recht. Da war die Prana Film aber schon längst bankrott und der Film gepfändet. Laut Gerichtsbeschluss sollten alle Kopien von "Nosferatu" vernichtet werden, das gelang aufgrund ihrer internationalen Verbreitung zum Glück nicht. Unterdessen verkaufte Witwe Stoker die Rechte an "Dracula" an die Universal, die ihren eigenen Film drehten und sich nicht weiter um den stummen Vorläufer kümmerten.

So liegt uns "Nosferatu" heute recht vollständig vor. Erzählt wird die Geschichte des jungen Hutter, der von dem Häusermakler Knock in die Karpaten geschickt wird um dem dort ansässigen Graf Orlock eine Immobilie in Wisborg zu verkaufen. Als Hutter erkennt, dass Orlock ein Vampir ist, ist es zu spät. Orlock reist per Schiff nach Wisborg, saugt unterwegs die komplette Mannschaft aus und kommt schließlich wie die Pest über die Stadt. Der geschwächte Hutter reist ihm nach um seine Frau Ellen vor dem Monster zu retten. Die weiß aber selbst was zu tun ist. Es gelingt ihr, den Vampir bis nach dem Morgengrauen bei sich zu behalten, sodass die ersten Sonnenstrahlen ihm ein Ende bereiten.

Die meisterliche Regie von Friedrich Wilhelm Murnau und die Kameraarbeit von Fritz Arno Wagner setzen diese Geschichte in eindringliche Bilder um und machen "Nosferatu" damit zum ersten Meilenstein des Genres. Albin Graus künstlerische Leitung verlegt die Filmhandlung in die Zeit des Biedermeiers, und so atmet "Nosferatu" vor allem eine Stimmung der deutschen Romantik – in ihren hellen wie düsteren Spielarten. Wie bereits bei "Der Gang in die Nacht" (D 1921) gelingt es Murnau hervorragend, in den vielen Außenaufnahmen des Films die Natur quasi an der Handlung des Films teilhaben zu lassen, wie Lotte Eisner in "Die dämonische Leinwand" hervorhebt. Jede Einstellung ist bedeutungsschwer und trägt Vorahnungen des Schicksals in sich.

"Nosferatu" arbeitet auch mit Spezialeffekten, wie es zum Beispiel George Méliès bereits in den Kindertagen des Films tat. Einige dieser Effekte sind auch heute noch sehr wirksam: die Szene, in der sich der Vampir kerzengerade aus seinem Sarg erhebt ist seither unzählige Male zitiert worden. Andere – wie Zeitrafferaufnahmen und als Negativ eingeschnitte Szenen – verfingen laut Lotte Eisner bereits seinerzeit nicht beim Publikum. Wenn "Nosferatu" einen derart nachhaltigen Eindruck hinterlässt, so liegt das nicht zuletzt an der Besetzung der Titelrolle mit dem relativ unbekannten Theaterschauspieler Max Schreck, den die Maske im Film glaubwürdig in einen lebenden Kadaver verwandelt hat. Dieses Bild bleibt im Kopf des Betrachters, vor allem in Kombination mit dem stark assoziativen Filmtitel.

“Nosferatu – tönt dieses Wort nicht wie der mitternächtliche Ruf eines Totenvogels? Hüte Dich es zu sagen, sonst verblassen die Bilder des Lebens zu Schatten, spukhafte Träume steigen aus dem Herzen und nähren sich von Deinem Blut” (Zwischentitel).

Autor: Arndt Pawelczik

Hier geht es zu unserem "Nosferatu"-Feature.

Credits
Titel: Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens
Regie: Friedrich Wilhelm Murnau
Drehbuch: Henrik Galeen
Kamera: Fritz Arno Wagner, Günther Krampf
Darsteller: Max Schreck, Gustav von Wangenheim, Greta Schröder, Alexander Granach, Georg Heinrich Schnell, John Gottowt, Gustav Botz, Max Nemetz, Ruth Landshoff
Produktionsfirma: Prana-Film GmbH Berlin
Produzent: Enrico Dieckmann, Albin Grau
Uraufführung: 04. März 1922 im Marmorsaal des Zoologischen Gartens Berlin

Weitere Informationen zum Film
Friedrich-Wilhelm-Murnau-Stiftung
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Filmportal
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Blu-ray/DVD-Veröffentlichung der Friedrich-Wilhelm-Murnau-Stiftung

Der brennende Acker